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  DOS GIBONES ALCANZANDO LA LUNA 1770 Ito Jakuchu (伊藤若冲) (1 de marzo de Kioto - 27 de octubre de 1800 Manpuku-ji)  Geografía: Japón Período: período Edo (1615-1868) Medio: pergamino colgante; tinta sobre papel Dimensiones: 114,9 x 48,4 cm. Clasificación: pergamino colgante Ubicación: Kimbell Art Museum, Texas, EE.UU. Esta encantadora pintura muestra a una madre gibón colgando a su bebé del brazo mientras cuelga de un zarcillo suspendido de un árbol. El título de la pintura es una referencia al concepto budista zen de que las personas y los animales simples a menudo confunden el reflejo de la luna con la luna misma. En este caso, son tanto el bebé gibón como su madre quienes están tratando de captar el reflejo de la luna en el agua; aunque no se muestra físicamente aquí, se comprende su presencia. El tema también alude al dilema de la condición humana: buscamos lo irreal (en este caso el reflejo de la luna) en lugar de buscar la sustancia espiritual adecuada. Jakuchu ha imbuido al tema

  LA SORPRESA 1827 Claude-Marie Dubufe (1790–1864) Francia Estilo: Clasicismo Género: Retrato Medio: Óleo sobre lienzo Medidas: 65.2 x 54.3 cm. Clasificación: Pintura Ubicación: Galería Nacional de Londres, Inglaterra, Reino Unido Esta joven parece haberse sorprendido por algo: se vuelve hacia una perturbación invisible a la derecha y se abrocha la blusa contra el pecho. Aunque Dubufe era muy conocida como retratista de la aristocracia francesa, se desconoce la identidad de esta mujer. Su estado de semidesnuda sugiere que esta imagen no tenía la intención de representar a una persona en particular, sino que, en cambio, podría haberse basado en un modelo. Dubufe ha basado la pose de la mujer en una famosa escultura de mármol griega del siglo I a.C., conocida como la Venus de los Medici. Muestra a la diosa con la cabeza colocada hacia la derecha y el brazo derecho pegado al pecho. A diferencia de la mujer de esta pintura, la Venus esculpida está completamente desnuda. El fondo oscuro y l

TÚNICA DALMÁTICA Siglo XVII Geografía: Italia o España Medio: Seda, hilo metálico, lentejuelas metálicas y flecos metálicos Medidas: 123,2 × 144,8 cm. Clasificación: Vestuario y ropa, textiles Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. Esta túnica dalmática, un tipo de vestimenta litúrgica cristiana, descolorida de un púrpura mucho más profundo y cubierta de hilos de oro y lentejuelas, representa el apogeo de la opulencia del siglo XVII. Las finas bandas entrelazadas en la base de la túnica se llaman correas. Sus puños y el panel central cuadrado están decorados con arabescos, densos patrones de plantas entrelazadas adoptados del mundo musulmán por artistas europeos anteriores.

 EL ABANICO 1919 Emil Carlsen, estadounidense (nacido en Dinamarca), 1848-1932 Geografía: EE.UU. Género: Bodegón Medio: Óleo sobre lienzo Medidas: 38,7 x 46,4 cm. - enmarcado: 54,9 x 62,5 x 6,4 cm. Clasificación: Pintura Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. La paleta sutil, la luz difusa y los objetos exquisitos de esta pintura invitan al espectador a contemplar su estado de ánimo tranquilo. La textura seca de las vainas, el elegante diseño floral del abanico y sus varillas de forma delicada, y el borde refinado de la taza cautivan nuestros sentidos. El tiempo se ralentiza a un ritmo meditativo. Los bodegones de Emil Carlsen, como éste, expresan ideales de esteticismo, en los que los objetos y las pinturas eran admirados por el gusto refinado que ejemplificaban. El uso por parte de Carlsen de finos objetos japoneses también refleja su popularidad como elementos decorativos en los hogares estadounidenses a principios del siglo XIX.

 EL MISSISSIPPI 1935 John Steuart Curry, estadounidense, 1897–1946 Geografía: EE.UU. Estilo: Realismo social Género: Costumbrismo Medio: Témpera sobre lienzo montado sobre tabla Medidas: 91,4 x 121,9 cm. - enmarcado: 108 x 138,4 cm. Clasificación: Pintura Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. Una familia afroamericana y su gato desaliñado se aferran al techo de una casa a la deriva en medio de la turbulencia fangosa del agua de la inundación. Las manos levantadas del padre suplicando ayuda divina se recortan contra un rayo de luz, lo que sugiere esperanza para su terrible situación. El artista, John Steuart Curry, como muchos de sus compañeros artistas de Scene estadounidenses, creía en la familia rural como la base de los valores estadounidenses. Esta pintura se basa en un dibujo del artista cuyo título, Mississippi Noah, se refiere a una inundación que asoló el valle del Mississippi en 1927. Cubre 44 km cuadrados, desplazó a más de 200.000 afroamericanos y amplió el

TIEMPO DE VERANO 1967 Romare Bearden, estadounidense, 1911–1988 Geografía: EE.UU. Estilo: Surrealismo, Arte Contemporáneo Medio: Collage en tabla. Medidas: 142.2 x 111.8 cm. Clasificación: Collages y montajes Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. Esta obra de Romare Bearden, que pertenece a una pequeña cantidad de collages a gran escala que creó en la década de 1960, ejemplifica el compromiso del artista con la experiencia afroamericana. Una mujer come un cono de helado frente a una casa de piedra rojiza, un hombre se sienta en una silla y dos rostros enormes miran desde detrás de las persianas. Los helados y las ventanas abiertas evocan el calor del verano. La pose de la mujer sugiere a una cantante sosteniendo un micrófono, y el título evoca la letra de George Gershwin de que "vivir es fácil". Sin embargo, el patrón activo de materiales del collage, su tamaño abrumador y los rostros en forma de máscara que presenta socavan la simplicidad de la escena. Dentr

PAISAJE DE YONGWENG 1687–1690 Shitao, chino, 1642–1707 Período Kangxi, 1662-1722 Dinastía Qing, 1644-1911 Geografía: China, Asia Medio: Pergamino colgante: tinta sobre papel. Medidas: ancho desde el extremo del rodillo hasta el extremo del rodillo: 95,3 cm. - imagen: 177,5 x 67 cm. Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. En este pergamino colgante, Shitao representa una escena de amigos pescando y hablando tranquilamente en el río y nuevamente en el pabellón de la montaña. Usando pinceladas expresivas, variadas líneas de tinta y una textura suntuosa, Shitao transmite el poder de la naturaleza al contrastar picos monumentales con las pequeñas figuras. La inscripción caligráfica sobre las montañas promueve la importancia del estilo personal, una búsqueda individual de Shitao, ejemplificada por su producción de paisajes atrevidos que difieren de los estilos contemporáneos. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Shitao se centró menos en la imitación o inspiración de

 PUESTA DE SOL EN EL VALLE DE SACRAMENTO 1922 Chiura Obata, estadounidense (natal de Japón), 1885-1975 Geografía: San Francisco, California, EE. UU. Medio: Pergamino colgante: tinta y color sobre seda. Medidas: 205,4 x 144,1 cm. Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. Esta pintura monumental representa una brillante puesta de sol de California. En 1909, Chiura Obata trabajó en los campos de lúpulo del Valle de Sacramento, donde conoció por primera vez el espectacular paisaje natural que luego representó en esta pintura. La mayor parte de la composición está dedicada al cielo del atardecer, que está energizado por nubes en forma de llamas sobre un paisaje teñido de azul. El horizonte ligeramente abovedado enfatiza no solo la gran distancia entre el espectador y la puesta de sol, sino también la inmensa extensión geográfica del Valle de Sacramento, cuyo terreno abarca la totalidad o parte de 10 condados.

  LUCES DE LA CIUDAD (PROFETA SIN LENGUA) 1988 Mary Lovelace O'Neal, estadounidense, nacida en 1942 Impreso en: Brandywine Workshop Geografía: Filadelfia, Pensilvania, EE. UU. Medio: Litografía y serigrafía en offset. Medidas: hoja (irregular): 71,4 × 81,6 cm. - enmarcado: 85,4 × 94,3 × 5,1 cm. Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. Esta impresión está hecha de papel cortado entintado con colores que evocan el horizonte de una ciudad. El azul profundo está marcado por rosas y amarillos brillantes, evidencia de luces brillantes en una metrópolis bulliciosa, y la forma irregular evoca un paisaje urbano recortado. Mary Lovelace O’Neal trabajó principalmente como pintora hasta 1984, cuando Robert Blackburn la invitó a su estudio de grabado. Cautivada por el medio impreso, creó esta obra en el Brandywine Workshop en Filadelfia en 1988.

IMPACT-ARTE propuso a sus followers de Twitter un reto: Microrrelato inspirado en una obra de arte, en un cuadro. Lo primero, agradecer a quienes ocuparon un poquito de su tiempo en aportar su granito de arena. Esperamos que lo disfrutéis, y seguro que habrán más propuestas de este tipo, nos encanta que participéis. Debajo de estas líneas veréis el cuadro, información del mismo, y más abajo, los microrrelatos. ¡Disfrutad! ASESINATO EN LA CASA Autor: Jakub Schikaneder Estilo: Realismo Género: Costumbrismo MICRORRELATOS AIRE Él se marchó tres días antes. Nadie sabe dónde, ni el porqué. Afirman los testigos que la vieron saltar, sin poder hacer nada ya por ella, que sonreía mientras caía. De su vivienda llegaban nítidos los sones de "Aire", pero la voz de Ana Torroja se ahogaba entre llantos. @JodaMestro SOLEDAD Amaneció sin remedio, ella sabía que el dormía a su lado, inmóvil permanecía cada noche, a su lado. La vida se le escapaba de risas, de encuentros, sola en aquella jaula

  MAQUETA DE UNA CASA CON FIGURITAS 300 a.C. - 300 d.C. Cultura: Nayarit Geografía: Ixtlán del Río, Nayarit, México, América Central Medio: Cerámica y pigmentos Medidas: 35.9 x 20 x 15.2 cm. Clasificación: Cerámicas Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. Esta versión en miniatura de una casa, con un espacio subterráneo y un perro descansando, transmite muchos detalles sobre la arquitectura y la vida doméstica de Nayarit. Las actividades de los distintos residentes y la decoración exterior geométrica dan una idea de su existencia diaria. Más que una representación anecdótica de lo cotidiano, esta escena puede haber tenido una función más simbólica. Las élites del oeste de México a menudo colocaban a sus antepasados fallecidos en tumbas pobladas con esculturas de cerámica de humanos, animales y recipientes de comida. El nivel inferior de este intrincado modelo de casa puede vincular el entierro subterráneo y los antepasados con el reino de los que viven arriba, los vivos.

ALFOMBRA DE ORACIÓN DE COLUMNAS ACOPLADAS Siglo XVIII Cultura: Período Otomano, 1281-1924 Geografía: Kula, provincia de Manisa, Anatolia, Turquía, Asia Medio: Lana Medidas: 182,9 x 121,9 cm. Clasificación: Revestimientos y tapices, textiles Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. Las alfombras de oración se caracterizan por un espacio central con un mihrab, o nicho arqueado, en un extremo. Esta alfombra se distingue por sus pares de esbeltas columnas con bases escalonadas y capiteles estilizados que sostienen el arco. Estas llamadas columnas acopladas no eran una característica conocida de los edificios otomanos cuando este diseño se desarrolló por primera vez en el siglo XVI. Estudios recientes sugieren que este motivo es característico de la arquitectura nazarí de la España musulmana. Probablemente fue traído al Imperio Otomano a través de tejedores judíos que huyeron de la persecución durante la Inquisición española en el siglo XV.

IMPACT-ARTE propuso a sus followers de Twitter un reto: Microrrelato inspirado en una imagen. Lo primero, agradecer a quienes ocuparon un poquito de su tiempo en aportar su granito de arena. Esperamos que lo disfrutéis, y seguro que habrán más propuestas de este tipo, nos encanta que participéis. Debajo de estas líneas veréis la imagen, y más abajo, los microrrelatos. ¡Disfrutad! AGUA Y CRISTAL 2020 Duende de la Luna AUSENTES Sólo quien faltó a la cena volvió a ver un nuevo día. Sir K DIABLO Sonrió y subió su dedo índice haciendo una peineta a su único espectador. No caería ni una gota sobre la mesa, acercó sus hermosos labios al vaso y sorbió sin tocarlo con las manos, acto seguido lo sujeto con los dientes y se lo acabó. Ganó la partida, silencio. @Zenecasi BÉBEME "Bébeme". Ahora era ella la que se encontraba en la sala de las puertas, más allá de la madriguera de conejo, huyendo, dudando. "Bébeme,bébeme,¡BÉBEME!" -¡Cállate!- le gritó a la nada antes de tomarlo de

  ALICE BAILLY Nacimiento: 25 de febrero de 1872; Ginebra, Suiza Fallecimiento: 1 de enero de 1938; Lausana, Suiza Nacionalidad: Suiza Movimiento: Cubismo, Dadaísmo, Posimpresionismo Escuela / grupo: Fauvismo Género: Retrato, paisaje Campo: Grabado, pintura Amigos y compañeros de trabajo: Juan Gris, Francis Picabia, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Fernand Léger Alice Bailly nació en una familia modestamente situada en Ginebra, Suiza. El padre de Bailly, que trabajaba como funcionario de la oficina de correos, murió cuando Bailly tenía catorce años. Su madre, una maestra de alemán, se ocupó de su educación y de la de sus dos hermanas, les enseñó a ser cultas y a luchar por ser lo que ellas quisieran.​  Bailly fue una pintora próxima a los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX (cubismo, dadaísmo) que ella contribuyó a divulgar en la Suiza francófona. Considerada como una artista de planteamientos radicales, es especialmente conocida por su particular visión tanto del cubis

HOY SOY TORMENTA Borrasca interna, alma con nubes negras, hoy no quiero sentir, hoy soy tormenta. Huracán de emociones, tifón de sentimientos, relámpagos en mi mirada, truenos en mi mente. Lluvia de lágrimas contenida, corazón con marejada... tinieblas, hoy no quiero sentir, hoy soy tormenta. Duende de la Luna

PAISAJE DE SICILIA, ITALIA 1953 Paul Strand (1890–1976) Geografía: Sicilia, Italia Fotografía Medio: Impresión en gelatina de plata Medidas: 11,7 × 14,9 cm. Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. En esta fotografía tomada en el sur de Italia, Paul Strand enmarca un panorama amplio para que se convierta en un mundo íntimo y autónomo. Los árboles delgados y sus ramas sin hojas en primer plano organizan la imagen, uniendo los edificios rurales de piedra, los caminos y las parcelas cultivadas en un patrón denso de lo orgánico y geométrico. Este punto de vista es una mediación sobre el potencial de relaciones armoniosas entre el hombre y la naturaleza. Strand vio esta condición como una potente alternativa a los rápidos cambios provocados por el mundo moderno a mediados del siglo XX. Tenía un interés humanista en utilizar la fotografía para explorar el carácter distintivo de lugares que consideraba incorruptos por la cultura industrial. Strand estaba interesado en aumentar n

  PÁJARO NEGRO Título original: Black Bird 1980 Benny Andrews (1930-2006) Estilo: Surrealismo Serie Utopía Geografía: Nueva York, EE.UU. (Springraphics) Medio: Litografía Medidas: hoja: 76,2 × 56 cm. - enmarcado: 84,1 × 63,8 × 5,1 cm. Ubicación: Museo de Arte de San Luis, Missouri, EE.UU. En esta litografía, Benny Andrews representó a un pájaro alzando el vuelo dentro de un entorno ambiguo. El paisaje surrealista se relaciona con su serie Utopía, en la que imaginaba un mundo idílico sin humanos, libre de todo tipo de discriminación. Sus escenas fantásticas, como ésta, que fluctúan entre la abstracción y un estilo representativo, presentan temas conmovedores a lo largo de su obra. Aquí, Andrews también exploró las texturas percibidas que podría lograr en la litografía.

  RINCÓN DE LA COCINA, GRANJA DE INQUILINOS 1936 Walker Evans  (Estadounidense, St. Louis, Missouri 1903-1975 New Haven, Connecticut) Geografía: Condado de Hale, Alabama, EE.UU. Medios:  Impresión en gelatina de plata Medidas: 19,5 × 16,1 cm. Clasificación: Fotografías Ubicación: MET Museum, Nueva York, EE.UU. En el verano de 1936, Walker Evans colaboró ​​con el escritor James Agee en un artículo inédito sobre los productores de algodón en el sur de Estados Unidos, que finalmente se convirtió en el libro fundamental "Alabemos ahora a hombres famosos" (1941). Durante cuatro semanas en julio, Evans tomó fotografías de tres familias de aparceros y su entorno: retratos íntimos y respetuosos de los agricultores, así como de sus casas, muebles, ropa y tierras alquiladas. Este estudio de un rincón limpio es el duodécimo apartado del libro; recuerda las observaciones de Agee sobre el significado de la "desnudez y el espacio" en estos hogares: "los extremos generales se

  CAMPOS DE TRIGO BAJO NUBES DE TORMENTA 1890 Vincent van Gogh (1853-1890) Geografía: Auvers-sur-Oise, Francia Medio: Óleo sobre lienzo Dimensiones: 50.4 cm x 101.3 cm. Ubicación: Museo Van Gogh , Ámsterdam, Países Bajos En las últimas semanas de su vida, Van Gogh completó una serie de impresionantes pinturas de los campos de trigo alrededor de Auvers-sur-Oise. Este campo extendido bajo un cielo oscuro es uno de ellos. En estos paisajes trató de expresar 'tristeza, soledad extrema'. Pero las abrumadoras emociones que Van Gogh experimentó en la naturaleza también fueron positivas. Le escribió a su hermano Theo:   "Casi creo que estos lienzos te dirán lo que no puedo decir con palabras, lo que considero saludable y fortalecedor sobre el campo" . El formato alargado de  "Campos de trigo bajo nubes de tormenta" es inusual. Destaca la grandiosidad del paisaje, al igual que la composición simple: dos planos horizontales.

 CESTA DE TRANSPORTE TRENZADA DIAGONALMENTE 1900 Geografía: Fabricado en Mendocino, California, EE.UU. Cultura: Pomo (norte de California), nativo americano Medio: base de brote de sauce, urdimbre de raíz de juncia, trama de brote de brote rojo, varilla de borde de roble enrollada y envoltura de borde de vid de uva silvestre dividida. Dimensiones: 50,8 x 45,7 cm. Ubicación: MET Museum, Nueva York, EE.UU. Esta cesta de una comunidad indígena en el norte de California, es probablemente el trabajo de una artesana altamente calificada. Su forma, materiales y diseño inventivo transmiten la práctica colaborativa y sagrada de la cosecha anual del Pomo. Si bien las cestas se utilizaron con fines utilitarios y ceremoniales, la escala y el estado de esta sugieren que se produjo para el mercado, o se encargó de forma privada, para proporcionar un medio de vida a los miembros de la comunidad.

 JARRA DE AGUA POLICROMADA ACOMITA 1790 Geografía: Hecho en Nuevo México, EE.UU. Cultura: Acoma, nativo americano Medio: arcilla y pigmento Dimensiones: 26,7 × 30,5 cm. Ubicación: MET Museum, Nueva York, EE.UU. Las primeras tinajas de agua de Acomita se distinguen por cuellos cortos y sin decoración, cuerpos medios bulbosos y cuerpos inferiores cóncavos oscuros. Este ejemplo presenta una configuración en espiral, posiblemente un pájaro abstracto, pintado sobre un fondo blanco abierto a cada lado. La cabeza, el ojo rectangular y el pico fluyen hacia formas geométricas que pueden ser plumas estilizadas y el cuerpo del pájaro. En el pensamiento tradicional de los pueblos, los pájaros y las plumas se asocian con las oraciones por lluvia, germinación y fertilidad.

 ¿CÓMO DUERMES POR LA NOCHE? 2017 Shara Hughes (estadounidense, nacida en Atlanta 1981) Estilo: Arte Contemporáneo, Arte abstracto Género: Paisaje Medio: Óleo y acrílico sobre lienzo Medidas: 172,7 × 152,4 cm. Ubicación: MET Museum, Nueva York, EE.UU Este trabajo actualiza la tradición de la pintura de paisaje para la época contemporánea. En lugar de la orientación horizontal habitual, Hughes imita las proporciones de una pantalla de teléfono vertical. Aquí, seis flores se marchitan contra un acantilado arenoso. Estas flores masivas y los colores que las rodean surgen de un enfoque sinuoso y gestual de la pintura, lo que le da a la obra una libertad infantil y una sensibilidad inquietante. Los colores atrevidos, a veces chocantes, recuerdan la paleta fauvista de Henri Matisse y los expresionistas alemanes, sin mencionar su talento para lo simbólico y lo psicológicamente intenso. Este paisaje alucinatorio e inventado explora la relación entre abstracción y representación, proceso e impu

Mi corazón me dice: -¿Por qué me haces pasar algunos tragos tan amargos? Sabes que te los puedes ahorrar... Yo no se que responderle, así que lo siento latir, mientras me mantengo en silencio, haciendo tiempo para encontrar una respuesta en condiciones, pero mi corazón, late fuerte, y siempre con tono de preguntas... -¿La quieres? Claro que la quería, corazón...pero sabes que las cosas son más complicadas... no vibramos en la misma longitud de onda...  No se ni porque le respondo, él sigue latiendo a su aire, como si no me ecuchara, eso si, se sobresalta cuando me equivoco, se queja, llora y hace preguntas. -¿Qué harás ahora?- insiste. No lo se -sabe que odio esa pregunta- Creo que solo puedo dejar pasar el tiempo...sanar por dentro, reflexionar y estar tranquilo, pero tú, corazón, no te callas...y no me dejas. (Silencio) (Silencio pesado y doloroso) Ya está, ya le hice daño... será mejor que le deje latir a su libre albedrío, e ignorar sus preguntas... corazón... n

LÉON SPILLIAERT Nacimiento: 28 de julio de 1881; Ostend, Belgium   Fallecimiento: 23 de noviembre de 1946; Brussels, Belgium   Nacionalidad: Belga Movimiento: Simbolismo, Expresionismo Campo: pintura, gráficos Léon Spilliaert, el mayor de siete hermanos, era el hijo de un perfumista llamado Léonard - Hubert Spilliaert, y su esposa Léonie (de soltera Jonckheere). Spilliaert se aficionó al arte y al dibujo desde niño, y creó la mayor parte de su obra en su ciudad natal de Ostende, Bélgica, a orillas del mar del Norte. Prácticamente autodidacta (asistió a la Academia de Bellas Artes de Brujas durante solo unos meses), se formó a través de su relación con el bibliófilo, coleccionista y librero de Bruselas Edmond Deman. Alimentado por sus lecturas, especialmente las de Friedrich Nietzsche, Lautréamont, Edgar Allan Poe, Maurice Maeterlinck y Emile Verhaeren (con quien forja una profunda amistad), Spilliaert es un artista inclasificable, cercano al simbolismo pero también al expresionismo, y

IMPACT-ARTE propuso a sus followers de Twitter un reto: Microrrelato inspirado en una imagen. Lo primero, agradecer a quienes ocuparon un poquito de su tiempo en aportar su granito de arena. Esperamos que lo disfrutéis, y seguro que habrán más propuestas de este tipo, nos encanta que participéis. Debajo de estas líneas veréis la imagen, y más abajo, los microrrelatos. ¡Disfrutad! SOL Y PENUMBRA 2020 Duende de la Luna CRIPTOLUZ Se proyectó durante un minuto, pero fue claro y contundente, allí estaba, solo ella entendió su significado a pesar de que cientos de personas estaban mirando asombradas. La secuencia era la correcta y se adentro en la luz confundiéndose con ella. Entonces ocurrió... @Zenecasi LUCES Y SOMBRAS DE UN SUEÑO Sentí tantas veces arrastrarse mi piel y mi alma, que para que no doliera en mi sueño, la piel era  Suelo y mi alma sus luces sus sombras. Ambas peleaban por levantarme y que volviera a sentirla bella. Desperté simplemente, eso hice...¡Desperté! RvS PENUMBRA Qued